Los 10 cuadros más importantes de Pablo Picasso

Te comentamos además las principales características de cada uno de estas importantes pinturas de Picasso

Pablo Ruiz Picasso fue un escultor y pintor español nacido en Málaga y que fue el fundador del cubismo, junto a Georges Braque, razón por la cual sus obras son mundialmente aclamadas por su gran innovación artística, abriendo una nueva era en la pintura. Se estima que ha pintado más de 2.000 obras en su larga carrera, además de también incursionar en otros géneros como el grabado, la ilustración, la cerámica, el dibujo e ilustraciones de libros, entre otros. Está considerado como uno de los más importantes pintores españoles contemporáneos, junto a Salvador DalíJoan Miró.

Sus primeras pinturas las realizó ya a los 10 años de edad, ingresando a los 15 a la Escuela de Bellas Artes de Barcelona gracias a su lienzo Ciencia y Caridad, el cual se encuentra en el Museo Picasso de esa misma ciudad. A los 23 años de edad (1904) se muda a París, donde tuvo inicialmente la influencia de pintores como Toulouse-Lautrec y Edgar Degas. No demoró mucho en incursionar en tonos rojos y rosas, en lo que se conoce como su periodo rosa. Más adelante, en Andorra, sus obras serán influenciadas por el arte africano, ibérico y griego.

Es cosa de de tiempo para que en 1908, junto a Georges Braque, Picasso pintara una serie de paisajes a base de pequeños cubos, lo cual dio pie al nombre oficial del movimiento llamado cubismo. En este estilo primaban muchos obras con pocos colores, además de motivos fragmentados y con una perspectiva totalmente distorsionada de los objetos, algo que debe haber impactado a muchos artistas considerados realistas.

En este artículo de Spoots mostraremos entonces las 10 pinturas más famosas e importantes de Pablo Picasso, que nos dan un resumen de toda su prolífica carrera, los cuales no están mostrados en orden cronológica. 

Los 10 cuadros más importantes de Pablo Picasso
  • 1

    Tres Músicos (1921)

    Tres Músicos (1921)

    Esta serie de 2 pinturas fue hecha por Pablo Picasso en el verano de 1921 en Fontainebleau, Francia, siendo unos de los cuadros más importantes y reconocidos del cubismo sintético, y realizado como una especie de despedida del movimiento. Ambas versiones del tema han sido aclamadas como obras maestras del arte contemporáneo, siendo expuestos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y en el Museo de Arte de Filadelfia.

    En los Tres Músicos, vemos a tres figuras sentadas unas junto a las otras, descompuestas en coloridas formas de gran simpleza, lo cual facilita la composición de la obra, a diferencia de las obras del cubismo hermético que Geoges Braque y el mismo Picasso fundaron. Los músicos son representados por un arlequin, monje y un pierrot, símbolos de la comedia, que aquí son vistos tocando un instrumento musical. Más específicamente, de izquierda a derecha vemos a un pierrot que toca el saxofón, un arlequín que toca una guitarra eléctrica y, finalmente, un monje que ejecuta un acordeón. En la otra versión, los instrumentos son cambiados por un clarinete, una guitarra clásica y una partitura, respectivamente.

    Dada la gran simplificación y abstacción formal de las figuras, por momentos parece un puzzle geométrico en donde la perspectiva y los colores se confunden y se superponen, no ayudando la cercanía física entre las 3 figuras. El arlequín es uno de los personajes más utilizados por Picasso, pues está asociado a la cultura popular junto a los mendigos o payasos. Por último, se distingue un perro casi invisible sentado entre las piernas del arlequín, lo cual da un tono jocoso y bohemio a la temática de la obra.

  • 2

    Guernica (1937)

    Guernica (1937)

    Este es para muchos el cuadro más importante de la prolífica carrera de Picasso, quizás ayudado por su impresionante porte (349 x 776 cm) y variedad de figuras y símbolos monocromáticos que nos pueden robar la atención por largas horas. Podríamos dividir a los actores del cuadro en básicamente 2 grupos, siendo el primero de ellos formado por 3 animales (caballo herido, pájaro y el toro). El segundo grupo estaría formado por seres humanos, compuesto por algunas mujeres y un soldado muerto.

    En cuanto a las mujeres, podemos observar primeramente a una madre a la izquierda de la tela que porta su hijo muerto con gran angustia y dando un grito al cielo, preguntándose del por qué de tamaña catástrofe. También podemos observar una mujer que con una gran zancada entra al cuadro por la parte derecha, a otra que asoma su rostro por una ventana ubicada en la parte superior derecha de la tela y, más al extremo derecho del lienzo, a una figura que clama al cielo con los brazos en alto ante una casa que se está quemando.

    No vemos en ‘Guernica’ a bombas, aviones de guerra o fusiles; esta es la forma en que Picasso nos muestra su rechazo a cualquier forma de violencia, propia de cualquier guerra. Muchos expertos dan diferentes interpretaciones a cada centrímetro de la pintura pero se acepta que la temáticavino por causa del bombardeo de la localidad vasca de Gernika por parte de las fuerzas alemanas, llegando algunas fotografías en blanco y negro a manos de la prensa del país. Oficialmente, el cuadro fue encargado por el Gobierno Español en 1937 para la Exposición Universal de ese año en París.

    El estado Español adquirió este cuado a Picasso luego de finalizado, pero ante el comienzo de la Segunda Guerra Mundial, el pintor decidió que estuviese la pintura protegida en el Museo de Arte Moderno en Nueva York hasta el fin del conflicto bélico. Finalmente, el propio artista impuso como condición de regreso del cuador a su España natal el restablecimiento de la democracia en el país, algo que solo sucedió en 1981. Actualmente, se encuentra expuesta en el Museo Reina Sofía en Madrid.

  • 3

    Las señoritas de Avignon (1907)

    Las señoritas de Avignon (1907)

    Este óleo sobre lienzo pintado en 1907 retrata a 5 prostitutas, posiblemente inspiradas de alguna vista de un prostíbulo de la calle barcelonesa de Avinyó. Estas 5 figuras humanas se encuentran sobre un fondo de cortinas y con un bodegón en la parte inferior del cuadro. Los bocetos previos tenían además una figura con una calavera en su mano que entraba por una puerta, pero fue posteriormente sustituida.

    La composición del cuadro es fuertemente geometrizada y con gran simetría, con figuras que ocupan todo lo alto de la tela. Las líneas, por otra parte, parecen unirse unas con otras en algunas esquinas, siendo resaltadas las figuras con tonos cálidos versus los ocres y fríos de los cortinajes al fondo. Este fondo es fragmentado y plano y no existe incidencia de luz en la obra, lo cual impide poder ver claroscuros, creando superficies con una cromalidad pura y estable. 

    Las figuras de las mujeres son simples y sin grandes detalles, especialmente en sus rostros, siendo una obra de arte que rompió con varios esquemas de la época, siendo calificada como “indefinible” por varios de los amigos. Si bien el cuadro no puede considerarse como cubista, hay varios aspectos utilizados en él que formarían la base del movimiento, como la descomposición del espacio, la inspiración del arte primitivo, la combinación de diferentes puntos de vista en una sola figura y las formas pictóricas.

  • 4

    Dora Maar con gato (1941)

    Dora Maar con gato (1941)

    Este óleo sobre lienzo pintado en 1941 (a comienzos de la Segunda Guerra Mundial) nos muestra a Dora Maar, la amante croata del pintor y gran musa inspiradora de él, sentada en un gran sillón en la compañía de un pequeño gato cerca de sus hombros. Esta pintura es una de muchas con Dora Maar como modelo, pero destaca por su gran tamaño, a diferencia de la mayoría de los cuadros donde ella aparece.

    Los diferentes planos de su cuerpo y la profundidad de sus pinceladas le dan una gran calidad representativa a esta obra, destacándose también por la brillantez de su color y complejidad del diseño de su vestido. La modelo se encuentra sobre un fondo sencillo pero igualmente llamativo, compuesto por pisos de madera exageradamente inclinados y un ordenamiento espacial superficial que nos recuerda a sus primeras manipulaciones geométricas-espaciales de carácter cubista. Es una obra con gran composición y atención al detalle, notándose su maestría para ilustrar los diferentes ángulos de la silla de madera y la originalidad de su sombrero.

    Esta obra se vendió en 2006 por 95,2 millones de dólares, transformándose en el segundo cuadro de Picasso más caro hasta esa fecha, tras la venta de ‘El hombre con pipa’, subastada en 104 millones de dólares por Sotheby’s. Dora Maar fue tan importante para Picasso que incluso lo ayudó a pintar Guernica.

  • 5

    Arlequín acodado (1917)

    Arlequín acodado (1917)

    El Arlequín acodado es una pintura realizada por Picasso en Barcelona con motivo de la presentación en el Teatro del Liceo del Ballet Parade de la compañía de los Ballets Rusos de Serge Diaghilev, siendo expuesta actualmente en el Museo Picasso de esa ciudad. En ella observamos al personaje del arlequín, un personaje usado por el pintor en sus primeras etapas como artista, en un estilo pictórico realista, figurativo y naturalista a la vez.

    El Arlequín acodado es un cuadro con gran variedad cromática que alterna entre colores cálidos y fríos, además de trazos bien definidos. Mientras los colores fríos (azules, negros y leves grisáceos) predominan en la figura y la vestimenta con motivos romboidales del personaje, los rojos y amarillos destacan en el fondo superior de la tela. Podemos notar el gran tamaño de sus manos, lo cual nos da la idea de su interés por el volumen de las formas.

    Gracias a la superposición de algunos elementos (como el codo sobre la mesa) y el fondo, el autor nos da una sensación de perspectiva, mientras que su mirada nos transmite un estado reflexido y meditativo, quizás nostálgico. Para Picasso, el arlequín es un símbolo de la comedia humana; el iniciado que busca pasar los límites del hombre terrenal. Esta obra está expuesta en el Museo Metropolitano del Arte en Nueva York.

  • 6

    Desayuno en la hierba

    Desayuno en la hierba

    Picasso trabajó en una serie de pinturas retratando a gente comiendo sobre la hierba, la cual consistió en 27 pinturas y varios dibujos y grabados. Sin duda que Picasso se inspiró en el afamado cuadro de Manet llamado Le Déjeuner sur l’Herbe, el cual generó en 1863 gran escándalo para su época por los círculos de arte parisinos. Sin embargo, Picasso solo toma el tema prestado de Manet, pues como siempre, le da a la temática su propia impronta artística.

    En la figura se muestra el último de una serie de variaciones del tema, en donde no se ven figuras vestidas y desnudas a la vez, sino que solamente personas sin ropa (cuatro, para ser exactos) pasando el tiempo juntos cerca de una fuente de agua, rodeados de un verde follaje. Picasso se veía al mismo nivel que pintores consagrados de tiempos pasados, por lo que no tenía problemas en libremente usar lo que creyese necesario de antiguas obras maestras que le generaban admiración.

  • 7

    Mujer sentada acodada (1939)

    Mujer sentada acodada (1939)

    A finales de 1938 y comienzos de 1939 Picasso pintó una serie de retratos de Marie-Thérèse Walter sentada y con la cabeza apoyada sobre el brazo derecho, siendo este cuadro el más tardío de ellos. Se puede ver la herencia cubista del autor en el rostro desfigurado de la mujer, con su nariz, ojos y boca en planos diferentes. En cierta manera, la mano empuja la barbilla, fragmentando el rostro y lanzando la nariz hacia el otro lado de él.

    Mientras los primeros lienzos de esta serie fueron más oscuros y menos cubistas, en esta obra se llega a una pintura más cromática, en donde se destacan las líneas claras de la figura del rostro versus la apariencia abocetada del resto del cuerpo, como si intencionalmente lo hubiera querido dejar sin terminar. También notamos que, a diferencia de la mayoría de sus retratos femeninos, la Mujer sentada acodada no muestra signo alguno de llanto o trsiteza, solo una mirada vaga hacia el horizonte que nos deja abierto a la interpretación la naturaleza de sus pensamientos.

  • 8

    Mujer frente al espejo (1932)

    Mujer frente al espejo (1932)

    Este es un cuadro multicromático típico de su etapa cubista en donde la modelo es Marie Thérèse Walter, una amante de Picasso que fue una de sus modelos artísticos favoritos. Esta pintura nos muestra a esta mujer contemplándose frente a un espejo, ante lo cual el espectador puede ver su rostro ilustrado de 2 formas: en el lazo izquierdo se ve la mujer real y en el lado derecho el reflejo del espejo.

    Cuando hablamos del rostro en el lado izquierdo de la tela, vemos a su vez 2 tipos de caras. La que está más a la derecha nos muestra a un rostro frontal en donde se observa un rasgo más de mujer adulta, con maquillaje puesto. El lado más izquierdo, por otra parte, nos ilustra un rostro de perfil que puede relacionarse con una imagen nocturna y más vulnerable.

    Este reflejo parece querer mostrarnos algo así como el rayos-x del alma de Marie o algún complejo interno que no es visible en la realidad. Podría también interpretarse como un reflejo de cómo se verá ella en su vejez, con su rostro oscurecido, además de su cuerpo distorsionado y contorcido por la gravedad de los años mientras su mano se estira hacia el espejo, como quierendo unir ambas realidades. La obra se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

  • 9

    Desnudo azul (1902)

    Desnudo azul (1902)

    Esta obra maestra fue pintada en sus primeros años como artista. Después que uno de sus amigos cercanos muriera trágicamente, Picasso decidió realizar esta obra casi monocromática como respuesta a su estado de duelo y tristeza. Este cuadro corresponde a su periodo azul (1901-1904) y muestra a una mujer abrazando sus rodillas mientras sentada en el suelo.

    Es importante destacar cómo el artista logra expresar en la tela sus pensamientos y sensaciones usando básicamente solo tonalidades del color azul. Se cree que Picasso comenzó a pintar el azul cuando supo del suicidio de su amigo Casagemas en París por el año 1901. Durante este tiempo Picasso estaba abierto a otras influencias alrededor suyo, como las pinturas de Fauve y Matisse. Esta obra se encuentra en el Museo Picasso de Barcelona.

  • 10

    La mujer que llora (1937)

    La mujer que llora (1937)

    Esta colorida pintura fue realizada por Picasso luego de la Guerra Civil Española que azotó su país, por lo que no nos extraña que el sufrimiento, llanto y dolor sean tan patentes en la obra. De hecho, se cree que este cuadro sea una continuación temática del famoso Guernica, que también expresaba tristeza por la guerra en sus figuras. En este caso, el grito del dolor es lo que se busca expresar de forma directa, intensificado por la deformación de la figura humana.

    Esta vez Picasso usa una figura humana para encarnar esta protesta, siendo esta pintura la última de una serie de cuadros relativos al mismo tema. La modelo para la obra se llamaba Dora Maar (quien también aparece en otros cuadros), una fotógrafa profesional que en ese tiempo era pareja del pintor.

    Vemos colores cálidos (amarillos y rojos) a lo largo de toda la parte periférica del cuadro, mientras que en el centro capta nuestra atención los tonos fríos y azulescos concentrados en la boca, las lágrimas y parte de las manos de la mujer. Podemos también notar que el tiempo y el espacio están fragmentados, habiendo el punto focal sido distorsionado a su extremo, por lo que la modelo puede observarse desde diferentes puntos de vista, no solo uno. Digamos que el tormento de la mujer queda de manifiesto con más fuerza a través de los rasgos desmenuzados y alterados del rostro de la mujer.


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